へンな日本美術史

以前に読んだ『本気になって何が悪い』で紹介されていたことと、著者である山口晃さんの絵が好きなので読んでみた。

粒子の細かい墨、黒というより青み、透明度、色の奥行き
印刷では再現できない、材質と塗料
人間の目は常に動いており、画面から受ける光の角度も変化する

筆のクセがでるのは、力を抜いて描く部分。目鼻口は注意して描くが、耳などは力が抜ける。

日本画の特徴：仕上げすぎない。

白描画
・奥行きを表すような線などよりも、画面構成の心地よさを優先。
・詞書があることで、全く違う次元の空間があらわれる
・文字を絵に取り込み、さらに文字で絵を描いてしまう。
・現実を写すより、どこに何を置いたら良い感じか、感情が優先
・紙の地（白）がほのまま空間になる。後から塗れないという制限が逆に表現になる
・黒の使いかた：画面を引き締める物に置く（髪や烏帽子

一遍聖絵、絹にかかれた絵（絹本
・白をのせた瞬間に変化する
・絹に描くことの不自由さを活かす。画材の質を逆手に、白という色の特性を最大限に引き出す
・油絵の白も、白の置かれた層が、絵の層を見る手がかりになる

現実としてはあり得ないポーズでも、絵としては正解

子どもの絵は、塗りたい色で塗り、描きたい所に描く。ムダがない。考えだすとおかしくなる

絵としての完成度が高いのは、現実の部分とイメージの部分との中間を表したもの

歌舞伎の化粧が派手なのは舞台で映えるため。どこで見られるかという環境を考慮する必要がある。

絵が表装や額縁でどこにでも置けるようになった分、場所との関係が希薄になってしまった。

オリジナリティはどこから生まれるか：軸があれば、オリジナリティなどはそのゆらぎから生まれる

静止した動態：「外す」「崩す」ことにより中心からの距離がうまれ動きを含む
外すには中心がわかっていること

10の手間を全体にかけると完成度は5にしかならない。顔に8、残りを2にすると完成度が7、8と上がる

モンタージュより似顔絵のほうが犯人が見つかりやすい。
似顔絵は「こんな感じ」というだけで、相手の頭のなかで修正できる余地がある

日本の美術教育は中学まで。中途半端で終わってしまい、トラウマしか残らない。
（大人はどのように美術を学べばよいか

絵描きのウソは、観た人の心のなかに「本当」が焦点を結ぶよう、事実を調整した結果

上手い人の投げやりな絵より、下手でも一生懸命さは伝わる

対象の内面に迫るために
・西洋は細部まで忠実に描く
・日本は写実よりも「らしさ」を優先し、記号化された表現「型」にのせて鑑賞者に実を託す
写実でないところで実を捉える

売れるものは必然的に時代の空気を反映している
その時代を掘り下げて、人の世の基底部に届いていれば、現在性と普遍性が両立する

応挙の画論
・絵の確認は白日・昼の光で
・写生は実物よりも大きく見えてしまう。矯正法として鏡を見て描く、望遠鏡を見て描く
鏡：正像ではなく虚像の違和感があることで、観察が自覚的になる
望遠鏡：片目で見ることで、両目で見たときの立体視による形のゆらぎを取り除く
・面的に描いて輪郭線は控える

きちんと真似る
絵面をトレースするのではなく、絵の構造を真似る
筆運び、そのための体の動かしかた、描く順番、描く所、描かない所、対象を捉える観点などなど

見ながら描くと筆が止まる
一気に描く筆勢、筆跡を活かすには、頭のなかに焼き付け、記憶でかく。若冲は「神気」が見えてから描いた

日本なんぞに閉じこもってないで世界と勝負しろ

ゲルハルト リヒター
バルール（色
ヘンリー ダーガー 非現実の王国で
前賢故実